Jesse Fink - Die Brüder Young - Alles über die Gründer von AC/DC

Kurz auftauchende Themen wie Erniedrigung und Pathos unterscheiden Powerage vom restlichen AC/DC-Repertoire. Andere Alben sind durch die geballte zerstörerische Kraft der Gretsch, Gibson, Music-Man-Verstärker und Sonor-Drums gekennzeichnet, wohingegen die neun Titel von Powerage (zehn auf der europäischen Vinyl-Ausgabe) Themen anschneiden, die nur selten im Hardrock behandelt werden. Das Verlassenwerden. Die Sehnsucht. Enteignung. Ambitionen. Entbehrungen – sowohl emotional, als auch finanziell. Richtig einen verpasst zu kriegen! Und, vor allem und auch am spannendsten – das Risiko. Der majestätische Bon Scott hätte sein Leben niemals einem anderen Credo verschrieben.

Der Refrain von „Rock ’N’ Roll Damnation“, dem ersten Track der CD, drückt eigentlich alles aus: „Take a chance while you still got the choice.“ Was ich auch tat. Ich ließ die Whiskyflasche und die unsortierten schwarzen Socken hinter mir, um nach New York zu flüchten, wo ich eine Burlesque-Tänzerin aufgabelte, die wie Scarlett Johansson aussah. Ich würde nicht im Zustand des ewigen Grübelns sterben. Ich verfasste ein Buch und verliebte mich wieder. Es gelang mir, mein Leben in geordnete Bahnen zu lenken.

Doch erst „Gimme A Bullet“ gab mir den wichtigen Anstoß, und dieses Gefühl empfinde ich bei jedem Hören. Wenn Cliff Williams’ Bass bei einer Spielzeit von ungefähr 1:17 Minuten die Gitarrenwand der Young-Brüder und Phil Rudds Beat durchbricht, knallt und donnert der Song auf eine andere Ebene der Perfektion der Rockmusik. Es ist wahrscheinlich die Passage, die den hart arbeitenden „Malocher“ Williams – wie ihn Rob Riley, der Gitarrist von Rose Tattoo, lakonisch beschrieb – in 30 Jahren mit AC/DC zumindest in die Nähe eines Solos bringt. Hinsichtlich der Kreativität hat er kaum etwas geleistet. Nach den zuverlässigsten Aussagen lassen die kompromisslosen Young-Brüder ihm auch keinen Freiraum. Es ist weder seine Band noch seine Aufgabe.

War es überhaupt Williams’ Instrument? Mark Evans, sein britischer Vorgänger in der Band, erzählte mir später: „So, wie ich die damalige Situation in Erinnerung habe, spielte George den Bass auf dem gesamten Album.“ Möglicherweise ist das einer der Gründe, warum Powerage so gut ist? Diese Art der Geheimnisse bestimmen jedes Gespräch über AC/DC. Jedoch war die Wirkung auf mich dieselbe, egal, wer denn nun Bass spielte.

„Gimme A Bullet“ zu hören und von dem Song mitgerissen zu werden, gab mir den Willen und die Entschlossenheit, mein Selbstmitleid zu vergessen. Ich spielte das Stück im Auto, beim Joggen durch die Straßen Sydneys oder beim Fitness-Training in der nahe gelegenen Muckibude. Meine damals siebenjährige Tochter, die eigentlich Selena Gomez, Taylor Swift und Ke$ha hörte, mochte ihn so sehr, dass sie dazu in ihrem Zimmer tanzte. Mich überkam väterlicher Stolz, als sie mir die Zeichnung eines großen Herzens mit ausgiebigen Verzierungen zeigte, unter dem gekritzelt stand: „Mein Dad liebt AC/DC und die Rolling Stones.“ Es ist wunderschön, wenn man durch die Musik eine Beziehung zu seinem Kind aufbauen kann. Mit 37 Jahren, nach einem halben Leben voller guter, melodischer, doch vergleichsweise unauffälliger Musik, verstand ich endlich die Tragweite von AC/DC.

Ich kann die Bedeutung von „Gimme A Bullet“ in dieser bestimmten Nacht nur mit einer Szene aus High Fidelity vergleichen, in der John Cusacks Charakter gesteht, dass er seine Platten weder alphabetisch noch chronologisch ordnet, sondern autobiografisch. Jedes Mal, wenn ich den Song höre, führt er mich zu dem Moment zurück, in dem ich glaubte, alles verloren zu haben, in dem ich ohne einen Gedanken zu verschwenden nach draußen gegangen wäre und mich vor einen Müllwagen gestellt hätte, es aber glücklicherweise nicht machte. Er verbesserte meine Stimmung. Durch ihn fühlte ich mich wieder gut. Ich hatte das Gefühl, nicht allein auf der Welt zu sein, wusste, dass es dort draußen noch andere Typen gab (auch schon in der Vergangenheit), darunter ein Bon Scott, die ähnliche Nächte der Einsamkeit durchmachen mussten, aber die Zähne zusammenbissen und weiterkämpften. Nur die beste Musik vermag das. Sie macht die wunderschönen, einsamen Momente existenzieller Erkenntnis unsterblich.

Jahre später, wieder in New York, rannte ich während eines Schneesturms über die Brooklyn Bridge und hörte „Gimme A Bullet“ auf dem iPod. Wie schon so oft zuvor, brachte mich der Sound richtig auf Trab. Ich hielt einen Moment lang in der schneidenden Januarluft an – Manhattan zu meiner Linken, Brooklyn zu meiner Rechten, Sydney und das alte Leben weit, weit entfernt – und lächelte, da ich meine Gesundheit und Fröhlichkeit wiedererlangt hatte. Die Musik von AC/DC half mir mehr als alles andere dabei, diesen Punkt zu erreichen.

Angus und Malcolm Young mögen mit einem Achselzucken reagieren, erwidern, dass sie nur Rock ’n’ Roll spielen und die persönlichen Geschichten von Fans ignorieren, die erzählen, wie sehr sie die Musik berührt hat. Sie mögen Autoren und Journalisten ignorieren, die mehr wollen als die knappen Floskeln, die sie bei der Promotion einer neuen Platte affektiert in einen Raum werfen, ähnlich wie den Ballast eines Bootes. Doch mit George, ihrem zurückgezogenen älteren Bruder, Mentor und Produzenten sind sie weitaus bedeutender, als sie sich zugestehen. Die Musik der Youngs handelt nicht nur vom Saufen, Ficken und dem Rock ’n’ Roll, was sie sich vielleicht nicht eingestehen mögen. Von mir aus können sie so viel protestieren, wie sie wollen, doch niemand kauft es ihnen ab.

Auch wenn sie sich nur noch selten blicken lassen, wird es irgendwo einen verlorenen Typen geben, der „Gimme A Bullet“ zum ersten Mal hört und sich entscheidet, am nächsten Morgen wieder aufzuwachen. Wir alle haben Songs der Youngs, die so eine Wirkung auf uns ausüben.

Diese besondere Gabe – und nicht der Ruhm, die Plattenverkäufe oder das kaum überschaubare Vermögen – rechtfertigt die Auseinandersetzung mit ihrer Musik.

Jesse Fink, Januar 2015

Im Januar 2013 stand ich in einer kilometerlangen Schlange außerhalb des Museum of Modern Art in New York, weil ich mir Edvard Munchs Gemälde Der Schrei aus dem Jahr 1893 anschauen wollte. Die bemerkenswert geordnete Menschenansammlung erstreckte sich mehrere Blocks weit. An diesem beißend kalten Freitagabend mit Minustemperaturen war der Eintritt kostenlos. Auch wenn ich mich gut eingepackt hatte, musste ich mit den Füßen auf dem Boden stampfen, um mich warm zu halten. Doch die Unannehmlichkeiten sollten sich auszahlen. Ich würde endlich Der Schrei sehen. Ein ikonenhaftes Kunstwerk und kein Bild, das man jeden Tag zu Gesicht bekommt, und dann noch umsonst.

Ungefähr nach einer Stunde befand ich mich innerhalb des Museums und erklomm die Stufen zum fünften Stockwerk, wo man all die „Schwergewichte“ ausstellte: Dalis, Modiglianis, Cézannes, Picassos, Van Goghs, Matisses, Monets, Klees. Die Publikumsmagneten. Und dort – mit nur einer Größe von 91 cm mal 73,5 cm sah ich Der Schrei, einer der vier Versionen, die Munch angefertigt hat und die erst kürzlich bei Sotheby’s für 120 Millionen Dollar versteigert worden war. Ich hatte alle Mühe, auch nur in die Nähe des Gemäldes zu gelangen. Während einige der wohl bedeutendsten Kunstwerke der Geschichte in den angrenzenden Ausstellungsräumen vernachlässigt und ignoriert hingen, wurde Der Schrei von einer regelrechten Menschenhorde belagert.

Hunderte Bewohner der Stadt und Touristen drängten sich davor. Sie ließen es nicht auf sich wirken und versuchten die Botschaft zu verstehen, sondern fotografierten es mit ihren iPhones, um es auf Instagram hochzuladen, oder machten „hübsche“ Schnappschüsse von sich und dem Werk, um sie auf Facebook zu posten. Ich wartete geduldig, um es aus nächster Nähe zu betrachten, doch als ich die Chance hatte, war ich enttäuscht. Das einzige beeindruckende Element meiner oberflächlichen Betrachtung der eher primitiv wirkenden Pastellarbeit waren die berühmten entsetzten und zutiefst verängstigten Augen der dargestellten Figur. Es schien egal zu sein, dass in den anderen Räumen, nur wenige Meter entfernt, deutlich bessere Kunstwerke ausgestellt waren. Niemand stand vor diesen Gemälden und schoss Fotos. Das Bild hier hatte man jedoch für 120 Millionen Dollar verkauft. Es war „bedeutend“. Man erwartete vom Betrachter unreflektierte Ehrfurcht, bevor er sich wieder auf den Weg machte, denn das hier wurde als ernsthafte Kunst kategorisiert.