Л. Пуликова: Национальная галерея искусства Вашингтон

Портреты Франса Халса выделяются исключительной характерностью и индивидуальностью, он был одним из лучших европейских мастеров, писавших «alia prima», то есть в один сеанс и без подготовительного рисунка.

В представленной картине художник великолепно передал облик пожилой женщины, спокойный взгляд которой обращен непосредственно на зрителя. Она смотрит с вниманием, интересом и доброжелательностью, легкая улыбка, тронувшая ее губы, говорит о спокойной уверенности и жизнерадостности. Халс использовал все богатство фактурных приемов. Ловкими и точными мазками теплого бежевого, коричневого и розового цвета он вылепил вполне современное лицо женщины. Сколько оттенков белого в пастозно написанном кружевном воротнике и чепце, а тени и фон покрыты тонким, почти прозрачным слоем краски! Быстрые, но одновременно точные и рассчитанные движения кисти создали законченный живописный образ, полный необычайной жизненной активности.

Знаменитый голландский живописец Рембрандт известен большей частью своими психологическими портретами и произведениями на религиозную тему. «Мельница» — один из его величайших шедевров в области пейзажного жанра, довольно редкого в музейных собраниях. Обычно картину датируют временем около 1650, когда художник еще находился в зените славы, однако она проникнута иным настроением. Чувство меланхолии, величественную грусть мастер передает через изображение одинокой, освещенной заходящим солнцем ветряной мельницы, чей силуэт выделяется на фоне стремительно темнеющего неба. Считается, что в этой работе Рембрандт с помощью тонкой светотеневой моделировки наиболее полно выразил драматическое настроение пейзажа.

«Мельница» оказала сильное влияние на английских живописцев. Картиной восхищался Уильям Тернер, Джошуа Рейнолдс написал вольную версию этого произведения. Оно было гравировано Чарльзом Турнером для его книги «Происхождение искусства», экземпляр которой был в мастерской почти каждого британского художника XIX века.

Питер де Хох, живописец делфтской школы, основной темой своего творчества выбрал изображение интерьеров и людей за их повседневными делами и незамысловатыми занятиями.

Как и в картинах Вермера или Терборха, в представленном произведении ощущаются некая тишина и гармония, особый мир, в котором живут персонажи. Подобные полотна вызывают в воображении домашний рай и бесконечное счастье семейной жизни. Большинство голландских художников были в некоторой степени и учеными, занимаясь исследованием и изучением визуальных эффектов. Поэтому де Хох с таким интересом едва заметными мазками передает фактуру кирпичной кладки и известки, неровности старой плитки, которой вымощен двор, блеск металлической кружки и прозрачность напитка в бокале. Живописец достиг высочайшего мастерства в передаче солнечного света, воспроизведении и противопоставлении различных материалов и фактур.

О жизни де Хоха известно очень мало. Он происходил из низших слоев голландского общества и, несмотря на покровительство богатых купцов, так и не смог выбраться из трущоб. Свою жизнь он закончил в сумасшедшем доме.

Голландец Вермер — один из самых таинственных живописцев в истории европейского искусства, в прижизненных документах упоминающийся всего три раза. Ему приписывается около 40 картин, большую часть которых он не продал или предпочел оставить у себя. Вермер был «мастером тишины», мог уловить и запечатлеть момент, когда все действия приостановлены.

Данный холст — аллегория равновесия. Героиня полна внутреннего покоя и сосредоточенности. Осторожно, дабы не нарушить равновесие, она держит весы в правой руке, а левой опирается на крышку стола. Едва различимо изображение «Страшного суда» на картине позади модели. Эта апокалипсическая сцена перекликается с действиями женщины. На Страшном суде Христос будет отделять добро от зла, праведников от грешников, и все земные ценности покажутся ничтожными. Женщина взвешивает свое богатство, а Христос — человеческие души. Невероятно сложно было достичь симметрии и уравновешенности композиции, согласованности деталей и тоновых отношений — понятно, почему Вермер так долго и тяжело работал над каждой картиной. Его творения ценились не столько за содержание, сколько за форму. Он умел изображать предметы так, как они существуют в жизни, как их видит человек, не фокусируя взгляд на чем-то определенном, а воспринимая в целом.