М. Силина: Музей изобразительных искусств Хьюстона

Представленная работа создана одним из самых знаменитых мастеров голландского натюрморта — Виллемом Класом Хедой. Данное произведение — прекрасный образец этого жанра и является не просто впечатляющим реалистическим изображением сложных по фактуре и светотеневым характеристикам предметов, но и картиной-посланием, в которой каждая деталь имеет символическое значение. Живописец так организовывал световоздушную среду и композицию, что обычная утварь будто становится особыми знаками и символами, «взаимоотношения» между ними насыщаются энергией.

Для усиления ценности вещей мастера предпочитали изображать дорогие, экзотические, редкие объекты. Излюбленным приемом было также выбирать предметы с трудной для передачи светящейся поверхностью. Это свет олицетворял мир, созданный Богом. Нельзя забывать, что голландский натюрморт несет в себе отпечаток религиозности эпохи. Поэтому неудивительно, что Хеда написал за свою жизнь очень много похожих полотен. В каждом из них мастер лишь немного менял количество предметов или их расположение. Главным являлось особое настроение «диалога» вещей как подтверждение божественного порядка. Художник изобразил стеклянный сосуд (стекло стоило немало), серебряную, искусно украшенную посуду, устрицы и заморскую диковинку — лимон. Хеда использовал тональную живопись: брал один основной цвет, в данном случае коричневый, и варьировал его. Наполовину наполненный бокал олицетворял, как правило, добродетель умеренности. Как и все натюрморты того времени, эта работа имеет морально-нравственный смысл: сопоставление аскетичной скромности с праздностью.

Музей хранит работу ведущего мастера золотого века испанской живописи — Бартоломео Мурильо. Характерен выбор тона для кожи Богородицы — холодный оттенок бело-голубого. В этом проявилось особое понимание высокой одухотворенности, где тело, его красота и нежная теплота отступают перед символикой мощной духовности. Композиция произведения выстроена по распространенной для того времени триумфальной схеме. Вытянутая по вертикали поверхность полотна создает пространство для неба, с которого спускаются ликующие ангелы, провозглашающие рождение Иисуса. Работа выполнена на обсидиане — блестящем вулканическом черном стекле. Мастер остроумно обыграл его вертикальные светящиеся прожилки, они стали служить триумфу пришествия Спасителя в мир. На контрасте с торжественностью момента фигуры Богоматери и Иосифа пронизаны человеческой теплотой, они словно погружены в интимный диалог с родившимся Младенцем Христом.

Джованни Антонио Каналь, известный больше как Каналлето, по праву считается ведущим художником ведуты. Он основал венецианскую школу, которая расцвела в XVIII веке, вместе с мастерами создавал произведения, до сих пор считающиеся классикой этого пейзажного направления. Что больше всего ценилось в ведуте? Поклонники отдавали должное документальной точности изображенного, максимальной реалистичности сцен при общей монументальной трактовке пространства. В своих работах Каналетто воспроизводил ощущение простора и роскошные светотеневые эффекты бескрайнего южного неба. Именно пространственный и световой строй картин, который не так-то легко передать, был особенно важен в городских панорамных пейзажах. Одной из излюбленных вариаций жанра стали так называемые каприччи — дополненные фантазией художника реально существующие виды. Обычно изображали известные места Рима, Флоренции, Венеции и Неаполя. Подобные полупридуманные ведуты пользовались чрезвычайной популярностью у состоятельных аристократов по всей Европе. Ведь путешествие, а следовательно, знание тех или иных знаменитых мест, могли позволить себе богатые и знатные люди, а такого рода интеллектуальные пейзажи-загадки как раз задуманы не только для любования, но и светского общения: можно было рассматривать, анализировать и обсуждать в компании, что именно придумал художник и как все выглядит на самом деле. Это было изысканно и подтверждало вкус, ум и просвещенность владельцев подобных ведут.